LA PELÍCULA DE LA SEMANA: CACHÉ (ESCONDIDO)

TÍTULO ORIGINAL: Caché
AÑO: 2005
DURACIÓN: 117 Min.
PAÍS: Austria
DIRECTOR: Michael Haneke
GUIÓN: Michael Haneke
FOTOGRAFÍA: Christian Berger
REPARTO: Daniel Auteuil, Juliette Binoche, Marice Bénichou, Annie Girardot, Lester Makedonski, Bernard Le Cog, Walid Afkir, Daniel Duval
PRODUCTORA: Coproducción Austria-Francia-Alemania-Italia; Wega Film / Les Filme du Losange / Bavaria Film / BIM Distribuizone

SINOPSIS

Georges presenta un programa literario en televisión, vive una vida acomodada junto a su mujer y su hijo adolescente. Un día recibe unos paquetes que contienen videos, grabados desde la calle, y unos dibujos alarmantes cuyos significados son un misterio. No sabe quién los envía. Poco a poco las secuencias que aparecen en las cintas se vuelven más personales, sugiriendo que el remitente le conoce desde hace algún tiempo. Georges siente como una amenza se cierne sobre él y su familia, pero puesto que no hay evidencias de delito alguno, la policía se niega a ayudarlo.

COMENTARIO

En 2005 se estrenó "Caché" una película elgogiada por la crítica y repelida y denostada por el público medio que asistió a la proyección en las salas de cine, pero que sin lugar a dudas no deja indiferente a nadie, ya sea con su tema provocativo, tratamiento y desarrollo.

Michael Haneke es un cieneastra transgesor, al quien le gusta jugar con los cánones del cine, los transgiversa y manipula para que el espectador salga con la sensación de que todo lo que ha visto es un juego, del cual es el único que controla las reglas. Es un cine atípico, cuya sensación es la de ser amañados solamente para provocar irritación o malestar.

VISIÓN TRANSGEROSA

La película comienza con un plano largo de una casa, vemos como sale gente, y al cabo de unos minutos nos enteramos que es una grabación al rebobinar la cinta uno de los personajes. Haneke nos introduce en su juego de forma magistral, con mucha información pero sin revelar nada, los planos largos son algo habitual en "Caché" ya sea para contemplar un espacio vacío, o a los protagonistas. Todo está elaborado bajo una magnífica puesta en escena, una excelente fotografía llena de luz, la ausencia de música hace que potencia el sentido de las imágenes, al igual que la poca presencia de efectos de sonido.

En el reparto destacan sus dos protagonistas, unos excelentes Daniel Auteuil y Juliette Binoche, el primero demostrando una clase magistral con un personaje oscuro en muchos momentos y lleno de misterios, cuya trama será clave en el desarrollo de los acontecimientos, y Binoche demostrando un lado tierno y sensible ante la agonía que sufre el personaje con una excelente interpretación. El resto del reparto cumple con creces sus roles dentro del filme.

CINTAS DE VIDEO Y DIBUJOS

Los elementos principales de "Caché" son las cintas de video y los extraños dibujos que la pareja protagonista recibe. De alguna forma Haneke va más allá al situar un thriller nada convecional sobre una trama que sugiere muchas lecturas y que el espectador sacará muchas conclusiones, no es un cine con una respuesta fácil ni clara como en el cine convencional.

En resumen, "Caché" es una de esas películas en que las que su autor Michael Haneke consigue provocar sensaciones contradictorias en el espectador, un cine diferente, una obra que resulta atractiva pero que no satisface a todo el mundo, avisados los que quieran ver una película distinta, provocativa, polémica y por muchos momentos irritante.

PELÍCULAS DE CULTO: EN LA BOCA DEL MIEDO

TÍTULO ORIGINAL: In the Mouth of Madness
AÑO: 1995
DURACIÓN: Estados Unidos
DIRECTOR: John Carpenter
GUIÓN: Michael De Luca
MÚSICA: John Carpenter, Jim Lang, Dave Davies
FOTOGRAFÍA: Gary B. Kibbe
REPARTO: Sam Neill, Julie Carmen, Jürgen Prochnow, Charlton Heston, Frances Bay, Wilheim Von Homburg, Kevin Rushton, Katherine Ashby, Marvin Scott
PRODUCTORA: New Line Cinema

SINOPSIS

Sutter Cane es un escritor de novelas de terror cuyo éxito no tiene comparación con el de ningún otro escritor. Pero poco después de entregar a su editor su última novela, ha desaparecido sin dejar rastro. Al mismo tiempo, algunos de sus fans están volviéndose muy violentos de manera inexplicable. El editor de Cane contrata a John para que encuentre al novelista. Él piensa que todo es un montaje publicitario, para promocionar el próximo libro de Cane, pero no tardará en descubrir la horrible verdad.

COMENTARIO

Nueva versión libre de John Carpenter sobre los relatos de Lovecraf, un universo único y onírico, una mitología en donde fluyen el terror, la paranoía y la fantasía. Carpente un cineasta prolifico en las décadas de los 80 y 90 marca su estilo propio para contar una historia que se adentra en una pesadilla gótica que va creciendo en intensidad.

Con un magnífico reparto, encabezado por un estupendo Sam Neill, actor infravalorado, cuya interpretación es consistente y creible, un personaje que es arrastrado a una pesadilla surrealista, destacan junto con Neill Julie Carmen aportando credibilidad como la obsesionada agente de Cane, y Jürgen Prochnow perfecto en el rol de escritor misterioso y maléfico.

Carpente ofrece una dirección magistral, ofreciendo todo su enorme talento, cada plano es realizado con esmero y trabajo, ofreciendo una recopilación de imágenes que llegan a un final inesperado, sin por ello hacer trampas, la excelente fotografía y la banda sonora cañera compuesta por el propio Carpenter hacen de la película una gran obra personal.

SUTTER CANE ES LOVECRAFT

Es clara la influencia de Lovecraft a la hora de describir al personaje principal, el escritor de novelas de terro Sutter Cane, a modo de homenaje e influencia, su figura es una clara influencia sobre historias de terror mezclados con mitos antiguos y extraños seres que surgen de las profundidades o del infinito cosmos para desatar el caos.

Es por eso que Sutter Cane es un reflejo de la figura de Lovecraft y de como un escritor puede crear un universo propio seguido por millones de personas por lo que el tiempo no pasa.

La locura es uno de los temas más influenciados en la obra H.P. Lovecraft cuya máximas resonancias encuentran una icomprensión en la leyes del universo y como una alteración puede afectarnos de tal forma que no sepamos encontrar la realidad, en el caso de "En la Boca del Miedo" el personaje de Sam Neill se mueve en un universo que para todos es familiar, y que poco a poco va transformándose a algo que todos tememos, la realidad es tan compleja que nuestra mente no puede comprender.

En resumen, "En la Boca del Miedo" es uno de las mejores películas de John Carpenter, un cineasta que nos ha regalado una de las mejores películas de terror de la historia inspirándose en el universo de H.P. lovecraft, y que al mismo tiempo se convierte en la mejor adaptación libre del escritor norteamericano. Una película recomendada a todo el mundo que quiera saber que es terror, una joya que es esencial para poder ver la complejidad de la condición humana y su infinito poder de la imaginación.

EL RESPLANDOR

TÍTULO ORIGINAL: The Shinning


AÑO: 1980


DURACIÓN: 146 Min.


PAÍS: Estados Unidos


DIRECTOR: Stanley Kubrick


GUIÓN: Stanley Kubrick & Diana Johnson (Novela: Stephen King)


MÚSICA: Varios


FOTOGRAFÍA: John Alcott


REPARTO: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd, Scatman Crothers, Barry Nelson, Philip Stone, Joe Turkel, Lia Beldman, Billie Gibson, Barry Denne, David Baxt, Manning Redwood, Kisa Burns, Louise Burns, Alison Coleridge, Norman Gay


PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures / Hawk Films / Peregrine

SINOPSIS

Jack Torrance se traslada, junto a su mujer y a su hijo de 7 años, al impresionante hotel Overlook, en Colorado, para encargarse del mantenimiento del mismo durante la temporada invernal, en la que permanece cerrado y aislado por la nieve. Su idea es escribir su novela al tiempo que cuida de las instalaciones durante esos largos y solitarios meses de invierno, pero desde su llegada al hotel, Jack comienza a padecer inquietantes transtornos de personalidad, al mismo tiempo que en el lugar comienzan a suceder diversos fenómenos paranormales.

COMENTARIO

Unir en una misma película a dos talentos como Stanley Kubrick con Stephen King, el primero uno de los mejores cineastas de la historia y el segundo uno de los mejores escritores del siglo XX, era todo un preludio de éxito y calidad asegurados, pero no solo eso, es sin dudas, la mejor película de terror de la historia.

Ante la idea de Kubrick de experiementar con cada película un género, está claro que el terror estaba pendiente en su agenda, pero el cineasta neoyorquino no iba a hacer cualquier historia, por eso utilizó una historia en donde la esquizofrenia, el temor y el aislameniento son sus temas principales, mezclando el terror con el suspense y los fenómenos paranormales.

El rodaje fue en los estudios Elstree en Borehamwood para las escenas interiores, y en Timberlien Lodge pàra las escenas exteriores donde se recreó el hotel, bajo un rodaje duro, ya que a Kubrick le gusta que sus actores se involucren al máximo en sus rodajes. En el reparto destacan un magnífico Jack Nicholson, más paranoico y loco que nunca, la joven Shelly Duvall que lo pasó horrible en el rodaje debido a la constantes fiebre que sufrió y a la impaciencia del Kubrick, el niño Danny Lloyd siempre inquietante, y las aportaciones del carismático Scartman Crothers en un pequeño pero magistral papel y los veteranos Philip Stone y Joe Turkel como misteriosos antiguos inquilinos en el hotel.

NICHOLSON, EL LOCO

Si hay un actor que puede parecer desquiciante, loco y paranoico es Jack Nicholson. Siempre polémico por su exageraciones y excentricizades, el personaje de Jack Torrance en un ejemplo a seguir como evolución de un personeje que pasa de la normalidad e inestabilidad a la paranoia, esquizofrenia y locura total. Un desarrollo que requiere un trabajo colosal que garantiza Nicholson en cada plano, y que como el propio Kubrick dijo "Nicholson está más loco que su personaje".

TERROR ÉPICO

A diferencia del terror clásico la historia y los personajes de "El Resplandor" son atrapados bajo una atmósfera que va creciendo con el paso del tiempo, y el hotel se convierte en el personaje principal. El personaje de Nicholson se convierte en antagonista la reflejar los demonios interiores del propio lugar, reflejando el pasado y los fantasmas que habitan, todo un acierto que veamos a estos personajes como un elemento normal, perturban, no está hechos para simplemente asustar, su presencia provoca sensaciones de angustia e incógnitas, un terror que provoca un miedo irracional siendo al mismo tiempo racional y misterioso.

El desarrollo es uno de sus mejores elementos, mostrando una clara faceta hacia la épica en su último cuarto cuando todo es una batalla por entre el bien y el mal, algunas connotaciones que el destino les ha llevado hasta el desenlace.

RESPLANDOR

El terro épico que he comentado en el anterior párrafo es uno de los elementos más destacados de la película, la otra son los elementos fantásticos mediante sueños, premoniciones y recuerdos de un lugar envuelto de muerte.

Es una película de fantasmas en donde el misterio se refuerza con la sensación de paranoia, los dos personajes el niño Dany Lloyd y el chef Dick Halloran utilizan el llamado don "el resplandor" una cualidad que les permite comunicarse con los espíritus, entre ellos de forma telepática y ver el pasado y el futuro. Dany utiliza su don a través de Tony, un amigo imaginario.

Visiones de muertos, palabras al revés, sueños o imágenes que muestran un lado siniestro de un lugar con un terrible pasado y que al mismo tiempo fascina por su misticismo, todo un acierto al no mostrarnos los fantasmas como meros trucos para asustarnos, sino para introducirnos en su malsana atmósfera.

OTROS DATOS

Una de las aportaciones a la industria cinematográfica fue la técnica de rodar con Steadycam, que consiste en un sistema movible con ruedas para poder seguir la acción de forma continua y sin saltos. Esta técnica potencia el laberinto que es el hotel Overlook, pasillos donde Dany, el niño, irá dando vueltas para mostrarnos el lugar. El movimiento continuo hace que nos convirtamos en una especie de testigo en la sombra y la dota de movimientos sueves y elegantes.

Una de las partes negativas de "El Resplandor" es el doblaje en nuestro país, una película de estas características merecía un mejor trato, y dando como resultado uno de los peores doblajes.

En el apartado técnico destacan la fotografía, siempre con mucha luz, a diferencia de otras pelñiculas de su género esta película rompió con el cliché de las zonas oscuras y siniestras, la música acompaña a la perfección las escenas, una producción de lujo con todo tipo de detalles.

En conclusión, El Resplandor es una de las mejores películas de la historia y un título que rompió con los cánones clásicos del terror para ir más allá. La novela de Stephen King en la que basa la historia, una de las mejores del escritor norteamericano, junto con la dirección impecable de Kubrick la convierten en una de las mejores experiencias cinematográficas.

EL UNIVERSO: LA LUNA

DIAMETRO: 3476 Km

DISTANCIA MEDIA DE LA TIERRA: 384.403 Km

MASA: Aproximadamente una cuarta parte de la Tierra.

COMENTARIO

Ha especulado todo tipo de teorías, desde su nacimiento hasta su composición. Hay satélites más grandes en el sistema, pero la diferencia está en la poca diferencia que hay entre la Tierra y la Luna. Su luz ha guiado e iluminado a los primeros hombres en la oscuridad. Bautizada por los romanos, la NASA planea la construcción de una base permanente, por lo que en un futuro no muy lejano los viajes a la Luna sean algo común.

Parecen dos mundos iguales pero al mismo tiempo distintos. La Luna es un lugar gris, muerto, sin atmósfera, por lo que el cielo siempre es negro, es un desierto con unos drásticos cambios de temperatura, y cuyo peligro por culpa de los micrometeoritos le convierte en un lugar extremadamente peligroso. La asencia de aire, por lo que el silencio reina en su superficie, también la ausencia de vientos hacen inalterable su superficie, exceptuando el constante impacto de meteoritos, que han formado una peculiaridad en su geografía de cráteres y mares secos.

Su tamaño ha especulado muchas teoría, desde un planeta cercano que se quedó atrapado por la gravedad del nuestro, hasta la consideración que fuera parte del nuestro y en algún momento se dividieran por alguna fuerza externa.

Las muestras extraidas y llevadas a analizar han conllevado una serie de similitudes orgánicas y también ciertas diferencias, en todo caso, el debate sigue abierto.

LA CONQUISTA LUNAR

Durante la Guerra Fría, Los Estados Unidos y La Unión Soviética han tratado de conquista el suelo de la Luna, una carrera espacial que acabó ganando la agencia espacial NASA, en su histórico viaje del Apolo 11, cuyos primeros pasos fueron por Neil Amstrong, cuya histórica frase: Un pequeño paso para un hombre, pero un gran salto para la humanidad" enmaraca uno de los hitos de la humanidad.

Debido al alto coste y peligro en los viajes lunares, parece ser que por el momento el ambicioso proyecto de una base permanente en la Luna es por ahora innecesario, pero cuyas máximas expectativas de cara al futuro podría ser un avance importante para la colonización de otros mundos.

En resumen, La Luna has fascinado a la humanidad desde los inicios, su intensa luz en el cielo a cautivado a muchos creando leyendas sobre su existencia. Un satélite único debido a las pocas diferencias con el planeta al cual orbita.

SAGA BROKEN SWORD: LA LEYENDA DE LOS TEMPLARIOS

TÍTULO ORIGINAL: Broken Sword -The Shadow of Templairs
AÑO: 1996
DESARROLLADORA: Revolution Software
PLATAFORMAS: Play Station, PC, Wii, Nintendo DS, Game Boy Advance

SINOPSIS

George Stobbart es un turista americano en París. Cuando está sentado en un bar asiste a un atentado con bomba en una cafetería, siendo uno de los testigos. George se verá metido en una espiral de misterios, engaños y conspiraciones, pero contará con la ayuda de Nico una periodista.

COMENTARIO

En 1996 se inició lo que sería una de las mejores sagas de la historia en el génro de las aventuras gráficas. Broken Sword es una historia llena de misterio, aventura y mitología, y una de las primeras en apostar por la animación y los gráficos en 2D en una época en donde las tres dimensiones daban sus primeros pasos y asentaban las bases del entrenimiento.

Las claves de su éxito las encontramos en un excelente guión, con personajes bien definidos y con profundidad, un desarrollo e historia que enganchan y aumentan a medida que avanzamos, una película interactiva con muchos misterios por resolver y que solo nuestra imaginación será capaz de ir resolviendo.

Como dato curioso cabe destacar que es la primera aventura gráfica para Play Station donde tuvo un éxito inesperado, ya que es un género siempre considerado para PC, y que gracias a las adaptaciones a las nuevas plataformas ha ido ganando adeptos y así no caer en el olvido.

UN MUNDO LLENO DE DETALLES

Las posibilidades de desarrollar la animación en un videojuego le aporta una gran cantidad de elementos en la pantalla, un rico y diverso universo que luce de forma magistral y que hacen que la historia gane puntos. Una gran variedad de escenarios, llenos de detalles, técnicamente está a un gran nivel y que parece ser que los años le tratan bien, conservándose como el día de su estreno.

En el apartado sonoro, encontramos una gran banda sonora, con temas que se ajustan como un guante en cada escena. Una de las cualidades que más destaca Broken Sword es su magnífico doblaje, uno de los mejores que se han hecho en nuestro país, y todo un ejemplo que marcó época.

El sistema de control de La Leyenda de los Templarios es el clásico click&point donde manejamos el cursor, una variedad del sistema SCUMM, y que funciona a la perfección en esta aventura, podríamos decir que esta aventura gráfica está influenciado claramente por los clásicos de Lucasarts.

Otro de los elementos que destacan son la gran variedad de escenarios, todos ellos llenos de detalles a gran nivel, recreando lugares reales de los cuales podemos identificar si viajamos, por lo que le aporta un grado de realismo.

En conclusión, Broken Sword: La Leyenda de los Templarios es una excelente aventura gráfica, una digna heredera de los clásicos de Lucasarts, y una aportación a un género en peligro de desaperecer por culpa de los avances técnicos. Estamos ante una obra que gana con el paso del tiempo y que sin duda ha marcado una época.

LA PELÍCULA DE LA SEMANA: MICHAEL CLAYTON

TÍTULO ORIGINAL: Michael Clayton
AÑO: 2007
DURACIÓN: 119 Min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Tony Gilroy
GUIÓN: Tony Gilroy
MÚSICA: James Newton Howard
FOTOGRAFÍA: Robert Elswit
REPARTO: George Clooney, Tom Wilkinson, Tilda Swinton, Sydney Pollack, Michael O´Okeefe, Ken Howard, Denis O´Hare, Robert Prescott, Austin Williams, Sean Cullen, Merrit Wever, David Lansbury
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures / Castle Rock Entertaiment / Mirage Enterprises / Section Eight / Summit Entertaiment

SINOPSIS

Michael Clayton (Clooney) trabaja para un famoso bufete de Nueva York, aunque no ejerce abogado. Su especialidad es arreglar las cosas de la manera más limpia y rápida posible, y se ha pasado toda su carrera limpiando los trapos sucios de sus importantes clientes. No es ni policia ni abogado, sino la perfecta mezcla de ambos: el perro guardián, el compañero fiel que siempre obedece y nunca pregunta.

COMENTARIO

Tony Gilroy conocido por los guiones de la saga Bourne debutó como director en este thriller con tintes legales. La historia gira alrededor de un hombre que es corrupto porque la sociedad lo es, buscando soluciendo fáciles ante problemas difíciles y que pocos son capaces de resolver. Una historia y desarrollo complejo para una de las revelaciones del 2007.

El guión escrito por el propio Gilroy hace incapié en los fallos y la corrupta voluntad de las corporaciones y de los bufetes que las protegen, albergando una ley que se tambalea ante su propio peso.

La principal labor de Michael Clayton está en su estupenda labor interpretativa, un reparto en estado de gracia. Para comenzar George Clooney ofreciendo un papel comedido y convincente, un personaje complejo que resuelve con mucha naturalidad, Tom Wilkinson gran actor donde los haya está inmenso en un rol tan complejo como fascinante, Tilda Swinton ofreciendo su mejor papel, una interpretación colosal, una mujer fuerte y obstianda en triunfar como sea, cerrando el elenco principal encontramos a un gran cineasta y actor como es Sidney Pollack que demuestra que siempre está a la altura cuando el guión es bueno.

El resto del reparto responde a gran nivel aportando una gran credibilidad y profundida retrospectiva.


En resumen, Michael Clayton es una notable película, una fascinante obra sobre la corrupción del poder, y de las consecuencias que tienen en la sociedad. Un guión complejo y fascinante junto con con una dirección portentosa de Tony Gilroy junto con un reparto de lujo hacen de este thriller toda una recomendación segura.

RESIDENT EVIL 5

TÍTULO ORIGINAL: Biohazard 5

AÑO: 2009

DESARROLLADORA: Capcom

PLATAFORMAS: Play Station 3, X-Box 36o, PC

SINOPSIS

Crhis Riedfield viaja hasta África como miembro de la BSSA, una unidad que lucha contra el nuevo bioterrorimos que las armas biológicas de Umbrella creó y que actualmente forman parte de un negocio en alza. Chris junto con otro miembro de la BSSA Shema Alomar tendrán que infiltrarse en un sector en cuarentena por el ejército cuyas sospechas indican que hay un nuevo y potencial virus que podría destruir el mundo.

COMENTARIO

Tras años de espera por fin llegó en el 2009 la nueva secuela de la saga Resident Evil, las expectativas eran máximas ya que se iniciaba en la nueva generación de consolas, a nivel técnico se esperaba lo nunca visto, y el resultado fue una espectacular entrega, con gráficos nunca vistos anteriormente, y que retaba al mismo tiempo la capacidad técnicas de nuestro PC.

El salto generacioanal es evidente, y el detallismo visual que goza Resident Evil 5 llega a un nuevo nivel, con un detallismo increible, un sonido envolvente en Dolby Digital, y unos escenarios grandes y personajes definidos hasta el extremos. Los efectos de luz, el polvo que se levanta del suelo, los ricos escenarios llenos de detalles son algunas de la maravillas que luce esta quinta parte. Técnicamente estamos ante uno de los mejores videojuegos que podremos disfrutar en esta generación.

CONTINÚA LA ACCIÓN

Resindent Evil 5 hereda el sistema de la cuarta entrega, destacando la acción por encima del suspense, potenciando en buena medida el número de enemigos a batir, las armas que podremos mejorar con el dinero obtenido, además de joyas, tesoros u otros utensilios para invertilo en comprar armas, mejorar el armamento (potencia y capacidad) y ropa.

Si principal cualidad de las primeras entregas eran los puzles y la supervivencia, donde pasó al lado de la acción en la cuarta entrega, esta nueva secuela apuesta por tirar al extremo esta última tendencia, dejando los puzles como anécdota y retando al jugador a sobrevivir con la máxima apuesta de la capacidad de aniquilar la máxima cantidad de enemigos posibles.

Los zombies han dejado de existir, ahora tenemos "infectados" que corren, saltan, golpean e incluso disparan, en grupos y siempre con un enemigo letal para añadir más dificultad.

El efecto cinematográfico es un tema a profundizar, ahora hay secuencias del presente que se mezclan con flashbacks para poder resolver una de las tramas principales, la presunta muerte Jill Valentine, la dramatización y el uso de videos para las peleas más espectaculares son novedades en esta secuela.

WESKER, EL REGRESO DEL ARCHIENEMIGO

Si ha habido un antagonista en la saga, ese ha sido Albert Wesker, desde infiltrado y traidor de S.T.A.R.S en la primera parte, en donde murió pero siempre se rumoreó su final, reapareció en Code Verónica, transformado y más fuerte dejando un alo de misterio de su renacimiento, en la cuarta entrega aparece como un personaje secundario, con la única posibilidad de jugar con él en el modo mercenario, tanto en esta parte como en su predecesora.

En esta secuela Wesker es el protagonista, la principal baza del argumento y que desvela secretos de su muerte y resurrección. Al fina y al cabo estamos ante el personaje más carismático de la saga.

POLÉMICAS Y OTROS DATOS

La polémica de esta nueva aventura llegó al tema del racismo, ya que la trama ocurre en la África profunda, y los enemegos son negros por se le quiso interpretar una tendencia racista, algo ilógico, porque sino salieran gente de color negro, y solo salieran blancos, algo que no ha pasado en las anteriores partes.

Entre los datos más curisos destaca la utilización de la cámara al hombro que fue utilizado en Resident Evil 4, pero aun más cercano del personaje. Ahora jugamos con la colaboración de un personaje, al aumento de enemigos por pantalla, podremos defendernos y ser ayudados dependiendo de la elección al elegir a Sheva o Chris, cada unos con sus características. Los personajes pueden defenderse con un ataque cuerpo a cuerpo, para poder salvarse de ataques extremos.

En resumen, Resident Evil 5 es un gran videojuego, una aproximación más cinematográfica de la saga, y que apuesta por la acción pura y dura, dispara y pregunta después. La trama que gira alrededor del personaje más carismático de la saga, al mismo tiempo que engancha su desarrollo, y el increíble nivel técnico, hacen de esta secuela muy recomendable, una pequeña joya que no ha defraudado.

EL DÍA DEL ESPECTADOR: PRINCE OF PERSIA -LAS ARENAS DEL TIEMPO-

TÍTULO ORIGINAL: Prince of Persia: The Sands of Time
AÑO: 2010
DURACIÓN: 116 Min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Mike Newell
GUIÓN: Boaz Yakin, Jordan Mechner, Carlo Bernard, Doug Miro (Videojuego: Jordan Mechner)
MÚSICA: Harry Gregson-Williams
FOTOGRAFÍA: John Seale
REPARTO: Jake Gyllenhaal, Gemma Arterton, Ben Kingsley, Alfred Molina, Steve Toussaint, Toby Kebbell, Richard Coyle, Ronald Pickup, Reece Ritchie, Gísli örn Garoarsson
PRODUCTORA: Walt Disney Pictures / Jerry Bruckheimer Films

SINOPSIS

Ambientada en la Persia Medieval, "Prince of Persia" narra la historia de un príncipe aventurero (Jake Gyllenhaal) que une sus fuerzas con una misteriosa princesa rival (Gemma Arterton) con el fin de detener a un cruel dictador que pretende desatar una tormenta que podría acabar con el mundo entero.

COMENTARIO

Hace ya más de dos décadas apareció un videojuego que marcaría época, un plataformas que retaba al jugador en su habilidad con acrobacias casi imposibles. En el año 2003, su creador Jordan Mechner produjo una serie de nuevas aventuras que involucraban el elemento de los viajes en el tiempo dentro de la trama.

Ante el éxito de la nueva franquicia era normal esperar que Hollywood hiciera una adaptación para la pantalla grande, y el encargado de llevar la producción no fue otro que el megalomano Jerry Bruckheimer, un productor acostumbrado a este tipo de películas en donde lo primordial es la diversión ante cualquier otro elemento.

Quien conozca el videojuego tiene que observsar las diferencia respecto a la aventura interactiva, cambios importantes, pero unos cuestiona que podría tratarse de una historia diferente con los mismos elementos. Aquí no aparecen demonios siendo el resultado de la liberación de las arenas del reloj del tiempo, y el protagonista era un huérfano, aparecen dos hermanos y el malo malísimo no es un jafar que pretende destruir el mundo desde el inicio para poder curarse.

Pero a pesar de las diferencias estamos ante una película entretenida, una aventura con un buen reparto, encabezado por un carismático Jake Gyllenhaal, acompañado por un par de veteranos actores como son Alfred Molina y Sir Ben Kingsley, el primero otorgando los momentos más divertidos, y la princesa interpretada por la actriz inglesa Gemma Arterton.

Los efectos especiales están a gran nivel, unos espectaculares paisajes, muy exóticos para la ocasión. La banda sonora compuesta por Gregson-Williams es muy acertada, con temas suaves y trepidantes dependiendo de la situación.

En resumen, Prince of Persia: Las arenas del tiempo es una aventura que entretiene y divierte durante casi dos horas de duración, pura evasión sin pretensiones con espectaculares efectos visuales, gran banda sonora y un buen reparto. Una buena película y primer blockbuster anticipando el verano.